martes, 27 de noviembre de 2007

Resumen de los primeros RECOMENDADOS Nros. 1 a 10

Recomendado 10: LA NARANJA MECÁNICA (1971), de Stanley Kubrick
Adaptación de la novela homónima de Anthony Burguess, el filme es una pintura pesimista y profética sobre la violencia en la sociedad, para nada alejada de las realidades actuales de todo el mundo. Cargada de humor malsano, sadismo, perversión y crueldad, la historia transcurre en una futurista Gran Bretaña, donde el joven Alex y sus amigos recorren las calles cometiendo toda clase de impunes delitos: ataques callejeros, abominables violaciones a mujeres e irrupción en domicilios para destruirlo todo. Al ser apresado por la policía y luego encarcelado, Alex tiene la posibilidad de acortar su sentencia con la condición de someterse a un experimento que curará sus nocivos hábitos, asegurándole que perderá toda maldad dentro de su ser.


Recomendado 9: LA DECISIÓN DE SOPHIE (1982), de Alan J. Pakula
Stingo, un muchacho aspirante a escritor, llega al Brooklyn de 1947 y se hospeda en una pensión donde se hace amigo de Sophie y Nathan, una joven y apasionada pareja que vive allí. Sophie es una sobreviviente del campo de concentración de Auschwitz y las pérdidas que ha sufrido se dejan ver en sus entristecidos ojos. Nathan es un excéntrico judío que vive obsesionado con el Holocausto y que, por momentos, actúa de una forma irracional y amenazante. El trío se convierte en inseparable con el tiempo y Stingo comienza a enamorarse secretamente de Sophie. En el afán de querer conocer más sobre ella y su pasado, descubre la terrible tragedia de la que Sophie fue víctima, develando la monstruosa e inhumana decisión que tuvo que tomar durante la guerra que la ha marcado para siempre. Imposible no verla; Meryl Streep ganó su primer Oscar como Mejor Actriz por su desconsolada y tortuosa composición. La escena de la decisión, que le da el título al filme vale por sí sola e impacta como pocas en la Historia del cine de todos los tiempos.

Recomendado 8: ANTES DEL AMANECER (1995), de Richard Linklater
Un joven norteamericano y una chica francesa, ambos veinteañeros, se conocen yendo en tren por Europa y se caen bien mutuamente. Deciden bajarse en Viena y recorrerla juntos ya que, posiblemente, sea el único día que compartan en su vida, dado que cada uno debe volver a su país. A medida que pasan las horas, recorren la ciudad y conversan sobre sus vidas, sus frustraciones, sus amores, sus deseos, sus sueños... También compartirán besos, caricias y una noche romántica. Pareciera que una historia de amor ha comenzado, sin embargo, antes del amanecer deberán despedirse... Excelente filme de Richard Linklater, que juntó a Ethan Hawke y Julie Delpy en esta primera parte y en su secuela, incluyendo brillantes diálogos que desnudan el alma de estos dos jóvenes que, tal vez, puedan estar juntos... Imperdible.

Recomendado 7: LUGARES COMUNES (2002), de Adolfo Aristarain.
Fernando Robles, un profesor universitario sexagenario es jubilado antes de tiempo y se queda sin trabajo. Junto a Liliana, su esposa y compañera de toda la vida, visitan al hijo de ambos que, ante la falta de oportunidades en Argentina, se encuentra en España hace años, donde ha formado su propia familia. El hijo los invita a vivir con ellos, ante la nueva situación económica de sus padres. Sin embargo, Fernando no acepta y decide junto a su mujer vender todo en Buenos Aires e irse a vivir a una chacra en la provincia de Córdoba. Fernando y Liliana sobrellevan con esfuerzo y resignación las privaciones, la incertidumbre del futuro, la falta de proyectos y la desesperanza, en un medio que les es ajeno, como es el campo. La española Mercedes Sampietro se ganó gran cantidad de premios y nominaciones a la Mejor Actriz por su composición de ferviente esposa fiel e inseparable. Para disfrutar y reflexionar sobre lo que nos pasa a muchos argentinos, emocionando hasta las lágrimas.

Recomendado 6: TUYO ES MI CORAZÓN (1946), de Alfred Hitchcock
Devlin, agente del gobierno de los Estados Unidos, conoce a Alicia, hija de un espía alemán condenado a prisión, y le propone trabajar con él en una misión en Río de Janeiro, para desbaratar los planes de Alex Sebastian, un nazi aún activo tras la Segunda Guerra Mundial. Alicia se sacrifica para expiar los crímenes de su padre, y acepta la arriesgada misión, conquistando al nazi y comenzando una relación con él, a pesar de estar perdidamente enamorada de Devlin. Para ella comienza una doble vida en donde el riesgo a ser descubierta está más cerca de lo que supone. Otra de Hitchcock en donde se mezclan el romance, el drama psicológico, la intriga y el espionaje. Cary Grant, Ingrid Bergman y Claude Rains son el terceto perfecto para protagonizar esta apasionante historia.

Recomendado 5: EL CAMINO DE LOS SUEÑOS (2001), de David Lynch
Betty, una joven aspirante a actriz, llega a Hollywood dispuesta a triunfar, y se aloja en una casa prestada por su tía. Allí se topará con Rita, una mujer que perdió la memoria a causa de un accidente, y que se oculta allí hasta averiguar quién es. Intentando develar la identidad de Rita, descubren en su bolso una gran suma de dinero y una extraña llave azul, que será clave en la historia. En la misma ciudad, un joven director de cine realiza un casting para su nueva película. Las vidas de ambas mujeres se entrecruzarán con éste y otros excéntricos personajes en una compleja y enredada trama de delirios, pesadillas y silencio…Inexplicable historia con realidades paralelas y misterio, excelente música, secuencias oníricas y actuaciones memorables. Desconcierta, asusta, hipnotiza. El mejor David Lynch. Si aún no la viste y querés un adelanto: http://www.youtube.com/watch?v=GF70PTD6KTc

Recomendado 4: LA PROFESORA DE PIANO (2001), de Michael Haneke
Erika, ex concertista y actual profesora de piano muy conservadora, vive con su dominante madre, a pesar de bordear ya los 40. Tras su aparente seriedad, se esconde una mujer que en sus ratos libres recorre sex-shops, practica el vouyerismo y hasta se auto inflige daños corporales. Su realidad se ve modificada cuando un estudiante le manifiesta su deseo de estar con ella proponiéndole comenzar un serio romance. Erika comienza a fantasear con la posibilidad de incluir al joven en sus peculiares prácticas sexuales, desconociendo la reacción que éste tendrá al escuchar la osada propuesta. Contundente personaje de una historia que incluye situaciones no aptas para conservadores. Isabelle Huppert sorprende con su hermética interpretación, haciendo que su composición le gane a toda la película. Muy fuerte, pero absolutamente recomendable.

Recomendado 3: VÉRTIGO (1958), de Alfred Hitchcock
Scottie es un policía que se retira de la fuerza por sufrir miedo a las alturas. Un viejo amigo de la infancia lo contrata como detective para seguir a su esposa, alegando extraños comportamientos en ella cuando sale sola a deambular por las calles. En su nueva tarea, Scottie comienza a obsesionarse con la mujer al punto de enamorarse irrefrenablemente, comenzando una relación ilícita con ésta y sin saber que la tragedia muy pronto se cernirá sobre ellos. Nada es lo que parece en esta misteriosa y brillante película de Hitchcock. Antológica la escena de la escalera de caracol y la hipnotizante música de Bernard Herrman.


Recomendado 2: ABRE LOS OJOS (1997), de Alejandro Amenábar
César, un joven rico y atractivo, conoce casualmente a Sofía y comienza a salir con ella, a pesar de tener una relación con Nuria. Celosa, ésta provocará un accidente que cambiará la realidad de César para siempre. Impactante filme, reversionado años después con Tom Cruise como protagonista y productor, retitulado "Vanilla Sky", de Cameron Crowe. Si no viste ninguna, optá por ésta, la original dirigida por Amenábar, antes de sus taquilleros títulos LOS OTROS y MAR ADENTRO.



Recomendado 1: EL CIUDADANO (1941), de Orson Welles
Charles Foster Kane, magnate del periodismo, muere pronunciando una enigmática palabra: Rosebud. A partir de allí, un periodista entrevista a sus allegados, intentando recomponer la vida de Kane para develar el misterio. Considerada una de las mejores películas de la historia del cine.



Resultado de la Encuesta. RECOMENDADO NRO. 10: LA NARANJA MECÁNICA (1971) , de Stanley Kubrick (por halbert)

Gran obra.
Gran obra maestra.
Gran obra maestra de culto.
Gran obra maestra de culto provocadora.

Podríamos seguir por largo rato añadiendo calificativos a este mítico filme de la Historia del cine. ¿Quién no vio LA NARANJA MECÁNICA de Stanley Kubrick? Posiblemente muchos… O no.

Hoy por hoy fue la elegida por el 28% de los votantes, con 19 votos en esta encuesta para elegir al Recomendado Nro. 10 de este blog.

Adaptación de la novela homónima de Anthony Burguess, el filme es una pintura pesimista y profética sobre la violencia en la sociedad, para nada alejada de las realidades actuales de todo el mundo.

Cargada de humor malsano, sadismo, perversión y crueldad, la historia transcurre en una futurista Gran Bretaña, donde el joven Alex y sus amigos recorren las calles cometiendo toda clase de impunes delitos: ataques callejeros, abominables violaciones a mujeres e irrupción en domicilios para destruirlo todo.

Al ser apresado por la policía y luego encarcelado, Alex tiene la posibilidad de acortar su sentencia con la condición de someterse a un experimento que curará sus nocivos hábitos, asegurándole que perderá toda maldad dentro de su ser.


A través de impactantes y chocantes imágenes, Kubrick nos involucra en la vida de este marginal individuo y nos hace reflexionar acerca de la condición humana y de la monstruosidad de su comportamiento, haciendo referencia tanto a Alex como a los que intentan “curarlo”.
Con una estética pop y con ciertos resabios de comic, LA NARANJA MECÁNICA se erige como un filme necesario e imperdible para todo público interesado por el cine, e interesado también por la reflexión que propone semejante turbulenta historia. Inolvidable la provocadora actuación de Malcom McDowell, la inclusión de la música de Beethoven y la particular versión de la canción “Singin´ in the rain” (original del filme Cantando bajo la lluvia, curiosamente el único filme no votado en la encuesta del blog).
SI QUERÉS COMPARTIR TU OPINIÓN SOBRE ESTE RECOMENDADO NRO. 10, ADELANTE! LA NARANJA MECÁNICA DE STANLEY KUBRICK: UNA OBRA MAESTRA PERDURABLE E INELUDIBLE.

lunes, 26 de noviembre de 2007

FOTO ACERTIJO

Hoy son actores reconocidos, pero hace algunos años eran así...
¿Quiénes son estos 3 adorables niños?


RESPUESTA CORRECTA! GANADOR EMANUEL F.
Julia Roberts / Jodie Foster / Christian Bale

viernes, 23 de noviembre de 2007

Crítica – “El hombre elefante”, de David Lynch: EXQUISITA ALEGORÍA CONTRA LA DISCRIMINACIÓN (por halbert)

La discriminación es uno de los males principales inventados por el ser humano, el octavo pecado capital que comete desde épocas inmemoriales hasta el presente: ya sea contra los muy gordos o muy flacos, contra los negros o los judíos, contra los homosexuales o los discapacitados, los feos, los extranjeros y un largo etcétera.
En 1980 el productor, guionista, director y actor Mel Brooks contrató a David Lynch para que realizara "El hombre elefante", la adaptación a la pantalla de la verdadera historia de Joseph Merrick (1862-1890) que se hizo famoso debido a las terribles malformaciones que padeció desde muy pequeño.
En esta gran obra, el desprecio al diferente se hace presente. En la ciudad de Londres, a fines del siglo 19, en una atracción de kermese, el doctor Frederick Treves (Anthony Hopkins) descubre la presencia del llamado hombre elefante, una criatura extraña y deforme que es presentada por el pérfido que hace dinero con él, además de maltratarlo como a un animal salvaje. Prisionero de un espectáculo ambulante, el hombre elefante no es ni más ni menos que eso: un hombre, como cualquier otro que, antes de nacer, en la panza de su madre, sufrió indirectamente los ataques propinados por un elefante, deformando su cabeza, su rostro, su cuerpo, sus extremidades. Indefenso ante una sociedad que no lo acepta, dada su fealdad corporal, se deja usar para estas exposiciones feriales, donde todo el público lo toma como un esperpento digno de ser visto. Sólo el médico lo ve con otros ojos: con los de la ciencia y, ofertando dinero y cuidados, le pide al tutor que lo maneja que le permita estudiarlo y presentarlo ante la comunidad médica.
El hombre elefante es internado en una clínica y es allí donde, gracias al incentivo del doctor, el extraño individuo comienza a manifestar actitudes de un ser común y corriente, con posibilidad de comunicarse como todo humano, de poder hablar, de leer, de sentir. La falta de estímulo sufrida a lo largo de los años había obstruido su contacto con la sociedad. Con el paso del tiempo, la clase de los nobles comienza a interesarse por el nuevo protegido del doctor y, de a poco, el segregado hombre se convierte en una personalidad digna de ser frecuentada, ya no como atracción de feria sino como una personalidad de la sociedad y la cultura.

Hasta la gran estrella del teatro, la Srta. Kendall (la precisa Anne Bancroft) lo visita y comparte con él momentos de charla, generando una de las escenas más encantadoras y poéticas que el filme presenta, en donde ambos recitan a dúo un pasaje del “Romeo y Julieta” de Shakespeare, manifestando la conmovedora emoción e incuestionable proximidad entre dos seres sensibles que pueden compartir cosas en común. Como síntesis de lo noble de la tolerancia y la condescendencia humana es el momento perfecto del filme que Lynch nos regala, sin ánimos de dar cátedra (o sí) sobre lo cerca que puede estar el ser humano de acoger al diferente.
Anthony Hopkins encaja perfectamente en el rol del humanizado doctor que es primero seducido por el descubrimiento médico que significa haber encontrado a ese pobre hombre para estudiarlo, para luego sentirse conmovido ante la sensibilidad desplegada ante sus ojos. Pero es John Hurt el que, detrás de la máscara del deforme, enternece con su dolorosa y sensible creación de este hombre que se reintegra a la vida del afecto, del amor del prójimo, del respeto humano… Tan humano como él, que mereció desde siempre ser respetado y que, en el final de su vida, pudo descubrir al semejante con su esencia de bondad y tolerancia.
Rodada en un refinado blanco & negro y acertadamente ambientada en una Londres victoriana, esta historia verídica cobra carácter de obra maestra cinematográfica, esencial para todo el que quiera acercarse a un Lynch más “comercial” o lineal y, además, para sensibilizarse ante una historia de redención humana frente al terrible pecado de la discriminación que, cotidianamente, el hombre inflige sobre el diferente.

FOTO ACERTIJO




Responder:
¿Quiénes son las actrices?
¿De qué filme se trata?
¿Qué famoso artista masculino era el tercer protagonista?


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RESPUESTA CORRECTA! GANADOR EMANUEL F.
ACTRICES: Catherine Deneuve y Susan Sarandon
FILM: El ansia, de Tony Scott (1983)
ARTISTA MASCULINO: David Bowie

jueves, 22 de noviembre de 2007

FOTOS COMENTADAS

"MI NOMBRE ES SAM" (2001), de Jessie Nelson
Sam Dawson (Sean Penn): Me admiro a mí mismo como padre.

Sr. Turner (Richard Schiff): Sr. Dawson, tiene la capacidad de un niño de 7 años. ¿Qué le hace pensar que tiene la habilidad de ser padre?.
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"21 GRAMOS" (2003), de Alejandro González Iñárritu

Cristina Peck (Naomi Watts): "¿Que me calme? Mi esposo y mis pequeñas hijas murieron y se supone que yo me tengo que calmar, carajo? No puedo seguir con mi vida así como si nada! Estoy paralizada! Soy una maldita amputada!".

FOTO ACERTIJO



Responder:
¿Quién es la actriz?
¿De qué filme se trata?
¿Quién lo dirigió?

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RESPUESTA CORRECTA! GANADORA ANA C.
ACTRIZ: Mia Farrow
FILM: El bebé de Rosemary (1968)
DIRECTOR: Roman Polanski

Nueva sección: FOTO ACERTIJO


Responder:
¿Quién es el actor?
¿De qué filme se trata?
¿Quién la dirigió?

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RESPUESTA CORRECTA! GANADOR EMANUEL F.
ACTOR: Gene Hackman
FILM: La conversación
DIRECTOR: Francis F. Coppola

miércoles, 21 de noviembre de 2007

Nueva sección: FOTO ACERTIJO

Responder:
¿Quién es la actriz?
¿Quién es el actor?
¿De qué filme se trata?


Hacé click aquí abajo a la derecha (comentarios) y respondé.



RESPUESTA CORRECTA! GANADOR SERGIO.
ACTRIZ: Mary Tyler Moore
ACTOR: Timothy Hutton
FILM: Gente como uno (Ordinary people - 1980, de Robert Redford)

martes, 20 de noviembre de 2007

Nueva sección: FOTOS COMENTADAS

"MARATÓN DE LA MUERTE" (1976), de John Schlesinger
Christian Szell (Laurence Olivier): Is it safe?... Is it safe? (¿Está seguro?... Está seguro?)
Babe (Dustin Hoffman): You're talking to me? (¿Me habla a mí?)
Christian Szell: Is it safe? (Está seguro?)
Babe: Is what safe? (¿Qué cosa 'está seguro?´)
Christian Szell: Is it safe? (Está seguro?)
Babe: I don't know what you mean. I can't tell you something's safe or not, unless I know specifically what you're talking about. (No lo entiendo. Puedo decirle que algo está seguro o no, a menos que sepa específicamente de qué me habla).
Christian Szell: Is it safe? (Está seguro?)
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"MI TIO" (1958), de Jacques Tati
Mr Hulot (Jacques Tati) vista a su hermana, e intenta encajar en esa casa gobernada por la nueva tecnología reinante, sin conseguirlo... ************************************************************************************
"ATRAPADO SIN SALIDA" (1975), de Milos Forman
McMurphy (Jack Nicholson): "Now I want that television set turned on *right now*!" (Ahora quiero que ese televisor sea encendido en este instante!)
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"CASABLANCA" (1942), de Michael CurtizRick (Humphrey Bogart): "Louis, I think this is the beginning of a beautiful friendship" (Louis, presiento que este es el comienzo de una gran amistad).
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"LA SOCIEDAD DE LOS POETAS MUERTOS" (1989), de Peter Weir
John Keating (Robin Williams): "I stand upon my desk to remind myself that we must constantly look at things in a different way" (Me paro sobre mi escritorio para recordarme que constantemente debemos mirar las cosas de un modo diferente).

lunes, 19 de noviembre de 2007

"Quiéreme", de Beda Docampo Feijóo: PERSONAJES A LA DERIVA (por halbert)

Algunos manuales de Guión, cuando enfocan el tema de realización del perfil de un personaje, insisten en que el mismo debe modificarse, debe cambiar a lo largo de la historia; arranca de un estado de equilibrio, pero se enfrenta a un conflicto y a partir de allí se modifica. Esto le sucede a Francisco (o Pancho, jugado correctamente por Darío Grandinetti) un alegre cincuentón con novia más joven, que acaba de abrir un restaurante junto a ésta, para desplegar sus dotes como eximio chef. Es notorio que el único aporte de Pancho ha sido su arte culinario, ya que el dinero necesario para la empresa lo ha aportado el padre de la novia (Luis Brandoni), manifiestamente antipático con su futuro yerno.
La sorpresiva aparición de una niña en su domicilio hará que Pancho comience ese proceso de modificación. La niña en cuestión es nada menos que su nieta, una españolita de 7 años que viene con un video bajo el brazo, en donde su madre (o sea, la hija de Pancho) explica que por problemas personales debe dejarla con él. Pancho fue un padre abandónico, que años atrás se desligó de todo en España para hacer su vida en Argentina. Sin embargo, eso no le quitó tiempo para echar algunas raíces en el país europeo; raíces que dejaron frutos no tan deseados por él.
A partir de esta nueva presencia en su casa, su novia lo deja y su futuro suegro lo echa del lujoso piso que le paga a su hija.
Pancho queda a su merced con una nieta a cuestas y, con dinero prestado por su único y fiel amigo (Jorge Marrale), viaja a Madrid a devolver a la niña. Al llegar se tropieza con dos problemas: su hija no está, ha huido, pero la que sí está es la compañera de vivienda (Ariadna Gil) que no lo recibe para nada bien. Los tres deberán convivir en el departamento, con las clásicas dificultades que implica, e iniciar una búsqueda por tierras españolas atando los cabos necesarios para recuperar a la desaparecida mujer.
Pancho comienza a sortear los avatares de su nueva existencia pero también asumirá el rol de abuelo para conectarse con la niña y reconciliarse con su pasado.

Si bien los elementos de un buen guión existen en “Quiéreme” (un protagonista con conflicto, una clara antagonista que se le enfrenta, un objetivo a resolver) es difícil lograr una gran empatía con el personaje principal. El filme procura claramente emocionar con esta historia, utilizando los recursos audiovisuales necesarios para ello (música melosa, atardeceres en la playa, escena de llanto desconsolado en el clímax del filme, reconciliación de los antagonistas) pero no lo logra, posiblemente por no haber desarrollado muy bien algunas cuestiones más profundas del personaje de Grandinetti, al que le falta carnadura, no por un tema de actuación, sino por falta de exposición del trance interno que el personaje vive pero que no es desarrollado en el filme. Resulta dificultoso, como espectadores, comprometerse con el conflicto del mismo y por ende, el director nos deja afuera de esto, como mirándolo de lejos. Y la candidez del rostro de la niña o la picardía de algunas de sus respuestas no generan más que una leve sonrisa.
Desde lo técnico el filme cumple, regocijándonos la vista con las urbes madrileñas y barcelonesas, con proliferación de cuidados planos generales y armoniosos travellings en grúas, pero lamentablemente no alcanza para brindar la emoción pretendida en este filme que se desvanece sin huellas ante los imperturbables corazones de espectadores poco estimulados.

jueves, 15 de noviembre de 2007

"Annie Hall: Dos extraños amantes", de Woody Allen: AUTOPSIA DE UNA RELACIÓN (por halbert)

Alvy Singer, neurótico comediante cuarentón de clubs nocturnos, hace un minucioso balance de su vida luego de separarse de su novia Annie (Diane Keaton). Cuenta sus amores, sus matrimonios y en especial la relación con ella. Desde el inicio de “Annie Hall: Dos extraños amantes” sabemos que Woody Allen será el protagonista de la historia. Alvy nos presenta su situación hablando a cámara, contándonos chistes e informándonos de su separación de Annie. A partir de aquí se suceden una gran cantidad de flashbacks durante los 90 minutos que dura el filme, descubriendo los momentos memorables de la vida de Alvy y de su relación con Annie, marcada por el encuentro, el enamoramiento, la convivencia y la ruptura. Pero lo peculiar es que esas vueltas atrás en el tiempo no tienen cronología de ningún tipo, responden a lo que se hace referencia mediante los parlamentos de los protagonistas. Y lo que es mejor: los protagonistas se meten dentro de esos recuerdos.
El primer salto a la niñez de Alvy es presentado con su voz en off intercalada con la de los personajes del recuerdo, y cuando menciona que “confundo realidad con fantasía”, una mujer de ese recuerdo pasa por cámara y saluda tirando un beso. Además, el Alvy adulto se mete en su propio recuerdo del colegio, discute con su maestra y escucha a sus propios compañeritos que, hablando como si fueran de 40, dicen lo que la vida les deparó a cada uno.
En el primer recuerdo con Annie, cuando esperan para entrar al cine, mira a cámara para quejarse del molesto hombre que tiene detrás (recurso que repetirá en muchas ocasiones del filme) con el que discute acerca del teórico Marshall McLuhan y, en un momento muy ingenioso, hace entrar en la escena al mismísimo McLuhan para pedirle a él su opinión sobre la discusión; como cierre de escena resulta francamente desopilante.
Cuando en un flashback Annie le menciona a Alvy algo acerca de su primera esposa, se pasa por corte a ese recuerdo, sin mediar transición alguna. Y cuando es el turno de Annie de hablar de sus novios, también se mete en sus recuerdos acompañada de Alvy, viéndose a ella misma más joven, participando ambos de la escena que se recuerda. Un nuevo comentario de Annie acerca de las novias de Alvy nos llevan a un nuevo recuerdo.
Como se ve, en general la aparición de los flashbacks responde al diálogo que mantienen ambos protagonistas y para marcarlos Allen no echa mano a los clásicos encadenados, ni a los cambios de clave lumínica o uso de color sepia o blanco y negro; el corte directo da paso a los mismos sin generar ninguna duda de cuál es el tiempo en el que se desarrollan las acciones.

Otros recursos divertidos los pone en práctica en dos escenas: la de la terraza, donde la pareja habla de trivialidades pero mediante subtítulos nos enteramos realmente lo que están pensando; y la aplicación del montaje sonoro durante la audición en el pub, dejando en el mismo plano el sonido ambiente del bar (murmullo, platos que se rompen, teléfono sonando) junto a la lánguida voz de Annie cantando “It had to be you”, demostrando la poca presencia de Annie frente al auditorio.
Son constantes las situaciones utilizadas para causar gracia: desde los chistes que cuenta Alvy en el escenario, hasta la introducción de un Alvy en versión animada, o el malentendido con el agente de policía.
Es ingenioso que Allen demuestre que nuestro protagonista no quiere sentirse antihéroe o bien no acepta su realidad y queda plasmado en la representación que dos actores de teatro hacen de la obra que Alvy ha escrito, repitiendo una escena que vivió con Annie en la vida real, pero cambiando el final triste que tuvo.
El ritmo general es ágil y todo se apoya en los diálogos. Ellos definen la duración de las escenas que se ven constantemente “interrumpidas” por los flashbacks que ilustran lo que se cuenta.
Un último recuerdo nos muestra un reencuentro de Annie y Alvy ya separados, y dentro de éste vemos pequeños flashes de diferentes momentos de la relación (algunos vistos anteriormente, otros filmados desde otra posición de cámara y otros no vistos). Alvy finalmente queda solo luego de despedirse de Annie y en off reflexiona sobre el modo en que el ser humano se relaciona, sobre su necesidad de amar y no estar solo.
Este filme de 1977 es un hito en la filmografía de Allen, no solamente por la gran cantidad de recursos de montaje aplicados, sino por la profundidad de su mensaje, más en aquellos años en que se destacaba por comedias livianas, precediendo además a otra obra importante de su filmografía como lo fue “Manhattan” (1979). Además fue su única película ganadora de 4 Oscars (mejor filme del año, mejor actriz para Keaton, guión y dirección para Woody).

domingo, 11 de noviembre de 2007

Crítica - "El pasado", de Héctor Babenco: LA "ATRACCIÓN FATAL" LATINOAMERICANA (por halbert)

El que esté libre de haberse enamorado locamente que tire la primera piedra... Imposible pedírselo a Sofía que, más que enamorada, se encuentra obsesionada con Rímini, su esposo desde hace doce años que hoy ya es su ex. Ambos han decidido separarse de común acuerdo al comienzo de "El pasado", último filme de Héctor Babenco ("Pixote", "El beso de la mujer araña"). Luego de asistir al festejo en el que una gran amiga de ellos los homenajea como la gran pareja inseparable, Rímini y Sofía le revelan que ese amor que comenzó en la adolescencia se ha terminado: cada uno por su lado.
Sin embargo, no tienen problema en compartir la búsqueda de un nuevo departamento para cada uno y acordar en la división de los muebles y otros objetos. Lo único que queda sin repartir son las fotos, la gran cantidad de imágenes que los tiene juntos, abrazados, besándose, y que quedan "al cuidado" de Sofía.
Rímini acompaña su soledad con la ayuda de su trabajo de traductor y con el consumo de cocaína, y pronto encuentra consuelo en Vera, una bella modelo con quien comienza una seria relación.
Sofía sigue sola y no deja de llamar a su ex, al punto de acosarlo con llamados telefónicos, cartas, grabaciones en el contestador o yendo directamente a su departamento con cualquier excusa.
Con los años, Rímini irá perdiendo y ganando cosas, más lo primero que lo segundo: pierde a Vera, pero gana a Carmen – una compañera de trabajo; comienza a perder la memoria, lo que no le permite trabajar como traductor, pero gana un hijo que Carmen le da; luego pierde a Carmen, pierde a su hijo, pierde su paternidad, pierde su dependencia económica y todo empieza a desbarrancarse. Y mucho tiene que ver en todo esto Sofía, que a lo largo de los años no ha podido cortar el lazo con su hombre de toda la vida y continúa con un acoso constante, interviniendo en su vida y provocando, directa e indirectamente, todas las desgracias de Rímini. Durante todo este tiempo, Sofía no le pide volver, sino que no se olvide de ella, además de recordarle que deben dividir las fotos, el último bien que comparten.
La película, basada en la novela homónima de Alan Pauls, presenta a Gael García Bernal con una correcta composición de su Rímini, aunque no parezca dar exactamente con el physique du rol de hombre atormentado, dado su look por momentos adolescente; sí es de admirar su capacidad de amoldarse y actuar muy bien los diferentes acentos, ya sea esté filmando un filme español, argentino o mexicano. Analía Couceyro es la atribulada Sofía, aquí como una especie de Glenn Close en "Atracción fatal": violenta, obsesiva, psicótica... sin límites.
Babenco describe esta historia con un ritmo pausado pero con diálogos filosos y situaciones tensas, mayormente en el marco de una Buenos Aires triste, nocturna, apagada, casi como la existencia del joven traductor que un día decidió separarse para empezar una nueva vida, pasó por todos los estados anímicos y volvió (o no) con su eterna enamorada, al menos para llevarse las fotos que los muestra juntos, más juntos que el presente, o que el pasado.

domingo, 4 de noviembre de 2007

"Las diabólicas", de Henri-Georges Clouzot: UN CLÁSICO FRANCÉS QUE MERECE SER (RE)VISITADO (por halbert)

Nada haría pensar que un internado de niños puede ser el escenario principal de una película de terror. Sin embargo, el maestro del suspenso francés, Henri-George Clouzot, presenta una escalofriante historia en las que la intriga y la muerte son protagonistas excluyentes.
Christina y Nicole son dos profesoras: esposa y amante del director del instituto que, cansadas de la situación y los malos tratos del hombre para con ellas, traman un plan para asesinarlo que, a primera vista, parece por demás sencillo. Christina simula una cita para pedirle el divorcio y debe hacer que beba un trago del whisky que contiene un poderoso tranquilizante. El siguiente paso es ahogarlo en la bañera para luego tirarlo a la piscina del internado y simular un accidente. Todo marcha a la perfección y el plan se cumple tal como lo planearon, pero al momento de vaciar la pileta el cuerpo ya no está. Ambas mujeres, aliadas en el crimen, intentarán buscar la causa de la desaparición y, a su vez, comenzarán a sentir remordimiento, con el peligro de ser descubiertas.
La película tiene una intriga que va creciendo con el paso de los minutos, colocándonos en el lugar de las desesperadas mujeres, que intentan buscar una explicación al misterio que rodea a la desaparición del muerto. Como espectadores, somos testigos del asesinato, dado que el maléfico plan es llevado a cabo frente a nuestras narices, nada queda elipsado. Clouzot elige mostrar en pantalla el terrible crimen, acentuando luego la duda acerca de "la fuga del muerto".
Mezclando lo policial con lo fantasmagórico, Clouzot narra con sigilo todas las instancias del diabólico plan y muestra a ambas mujeres (¿amigas, antagonistas, socias?) con perfiles opuestos: la débil esposa enferma y la arrolladora amante decidida a todo. La primera mitad del filme las muestra elucubrando y llevando a cabo el pérfido plan; la segunda las encuentra perdidas frente al inconcebible misterio de la desaparición.
Tanto Simone Signoret como Vera Clouzot (esposa del director y fallecida 5 años después de esta producción) prestan su voz y su cuerpo a estas dos temibles mujeres: toda la cinta las tiene a ellas siempre en cámara, asesinando al hombre, transportándolo en una canasta, manejando por las rutas, tirándolo a la piscina y manteniendo sus diálogos siempre en voz baja y a puertas cerradas.
Todo tiene una justificación (¿real o fantástica?), pero no será explicada en estas líneas, haciendo caso a la placa que cierra la película, en la que solicita ser comprensivos con el espectador que no vio LAS DIABÓLICAS y no develar el espeluznante final.
Como muchas veces, Hollywood eligió contar esta historia a su modo, llevándola a los años 90 y poniendo a Isabelle Adjani y Sharon Stone como las diabólicas asesinas. Sobra decir que el clásico de Clouzot de 1955 es el que merece la oportunidad de ser apreciado, por dirección, actuación y originalidad.

"La mejor de mis bodas", de Frank Coraci: ROMANCE CANTADO (por halbert)

"La mejor de mis bodas" es una película filmada en 1998, pero ambientada en 1985 y con un tratamiento al estilo de 1950. Esta mezcla de años refiere a que la historia que nos cuenta nos recuerda a los filmes de décadas pasadas, principalmente por lo naif de su enfoque.
Tenemos a un protagonista masculino, Robbie, cantante de bodas, treintañero frustrado, plantado por su prometida en su propio casamiento.
Tenemos a una protagonista femenina, Julia, camarera de bodas, veinteañera tímida, a punto de casarse sin saber si está enamorada de su prometido que, dicho sea de paso, la engaña.
Ambos se hacen amigos, sin saber que el destino les depara un romance, que resulta obvio hasta para el espectador más desentendido.
Pero no son ellos los únicos que conforman el abanico de personajes que propone el filme, donde los buenos son muy muy buenos y los malos no lo son tanto. Entre los primeros, el primer puesto es para la clásica vecina viejita que toma clases de canto con Robbie, pagándole con albóndigas que ella misma prepara; luego, la típica amiga camarera que, pese a desear al protagonista, cede su lugar y ayuda a que Robbie y Julia tengan su historia de amor; el hermano que quiere dejar de ser un casanova para enamorarse en serio, entre otros. Y entre los malos tenemos a las respectivas parejas de Robbie y de Julia: la novia arrepentida que quiere volver, y el clásico novio engañador que acepta casarse solamente porque su novia es buena y no sospecha nada de sus artimañas.
Todos ellos y muchos más conforman el elenco de un filme demasiado endulzado, casi ñoño, sólo para un público para nada exigente que ansía el final feliz cantado (aquí, dicho en todo sentido).
Si bien las actuaciones no son de destacar, tanto la bonita Drew Barrymore como el cómico Adam Sandler (venerado por el público norteamericano) están a tono con la inocencia que proponen sus personajes y el filme todo, al igual que los actores que los secundan.
Lo más atractivo quizás son las canciones que musicalizan las escenas, todas de la década que se recrea aquí.
Y como agregado extra, el DVD incluye una sección de ´karaoke´ para poder interpretar los principales temas musicales que se escuchan a lo largo de "The wedding singer" (El cantante de bodas – su título original) y sentirse parte de este filme poco pretencioso.

jueves, 1 de noviembre de 2007

"Amarcord", de Federico Fellini: UN PUEBLO Y SU IDIOSINCRASIA (por halbert)

"Amarcord" describe la vida de un pequeño pueblo de Italia en los años 30. Sus característicos personajes deambulan por la plaza central celebrando todo acontecimiento que les resulta importante; al comienzo, celebran la llegada de la primavera despidiendo a la “bruja” del invierno, quemándola en una enorme fogata. El motociclista del pueblo, del que desconocemos su identidad, cierra la secuencia haciendo su paso veloz a lo largo de la plaza (también es utilizado su paso para abrir o cerrar otras secuencias del filme).
Un recurso que se repite es la utilización de algunos personajes hablando a la cámara (un mendigo; un viejo), dando información básicamente histórica, referida al pueblo o a alguno de sus habitantes (llegada de la primavera; cumpleaños de Roma; el encuentro de la Gradisca y el príncipe; la llegada del Rex; la nevada en el pueblo).
Fellini utiliza interesantes recursos para mostrar a sus criaturas:
- Presentación de la peculiaridad de algunos personajes, principalmente los profesores y alumnos, mostrándolos en su ámbito, con actitudes y comportamientos que los hacen característicos.
- Presentación de la familia protagonista (típicamente italiana de clase trabajadora) en la que se basa la mayor parte del filme (el padre, la madre, el hijo pequeño y el adolescente, el tío, la mucama, el abuelo) en un momento cotidiano como lo es la cena familiar, con sus discusiones y problemáticas.
Hay una utilización casi exclusiva del plano general (a lo sumo plano entero) en toda la extensión de la película, que incluye a todos los personajes participantes de la escena, ya sean dos o más (el adolescente confesándose con el cura; las grandes masas que participan de los acontecimientos en la plaza). Un recurso para resaltar a los protagonistas en medio de la masa de extras en la plaza es iluminar a los primeros y dejar en penumbras a los otros.
Se aplica la utilización del flashback (vuelta hacia atrás en el tiempo) con voz en off para contar sucesos anteriores:
- El pecado del adolescente con la Gradisca en el cine.
- El encuentro de la Gradisca con el príncipe en el hotel.
- La visita del Emir árabe con sus treinta esposas.
En el primer flashback, el joven cuenta una experiencia de acercamientos con la Gradisca en la sala de un cine. En esta escena se utilizan algunas tomas cortas con fundido encadenado para contar una acción que se repite (el cambio de asientos que realiza el joven para acercarse a la hermosa mujer y tocarla en la penumbra de la sala). En las otras dos, tanto en el encuentro de la Gradisca como en la visita del Emir en el hotel, se utiliza un peculiar recurso para contar los hechos, al estilo de una comedia musical u obra teatral, con un streaptease de la Gradisca en el primer caso y con cuerpo de baile de las treinta esposas en el segundo. Hay otro caso parecido que se repite en el filme: cuando llega el otoño, los adolescentes reunidos en la calle bailan al compás del leit-motiv de la película.
Otro recurso utilizado para contar lo que piensa o desea un personaje (en este caso, dos adolescentes) es `hacer realidad` el sueño o deseo, corporizándolo. En una especie de flashforward se muestra, en un caso, al joven Ciccio (el adolescente obeso) casándose con la Aldina frente a todo el pueblo, siendo bendecida su unión nada menos que por una figura del Duce, hecha con flores para el desfile. El otro caso similar es cuando el joven Titta observa la carrera de autos que se realiza en el pueblo y ´sueña´ que él mismo es uno de los corredores que participa de la carrera y gana.
Amarcord” se cierra con el mismo hecho con el que abre: con el vuelo de los plumones de la primavera por todo el pueblo. El recurso del paso del tiempo es utilizado con el transcurrir de las 4 estaciones, contando la historia con una estructura circular (empezando con la primavera y finalizando con la misma del año siguiente).
Además, el concepto de `circular´ aparece también, en el final del filme, con la muerte de la madre de la familia protagonista y el casamiento de la Gradisca: el final de una vida para una, y el comienzo de una nueva vida para la otra.

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